Daniela Rivera es una artista visual chilena que investiga en su trabajo la calidad de objeto de las imágenes. Sus pinturas suelen ser de sitios específicos y reaccionan a los espacios expositivos en que se insertan. La artista recrea los usos utilitarios de la pintura, que alteran los planos representativos y perceptivos, para hacer que la pintura funcione como el espacio y le otorga al cuerpo el papel de la figura en la pintura. Interesada en trabajar en la intersección de disciplinas y oponerse a las escuelas de pensamiento, el trabajo de Rivera se relaciona con el proceso de las técnicas de pintura barroca y las estrategias de presentación y los matices formales del arte minimalista y algunos de los elementos conceptuales de Arte Povera, una contradicción fundamental pero un mundo de posibilidades para la puesta en escena.

ANTECEDENTES DEL TRABAJO

Muchos años atrás mi trabajo dio un cambio dramático. Pasé de trabajar en forma figurativa la carnación del cuerpo humano a la construcción de espacios para habitar en forma activa y responsable. Con este cambio quise establecer una relación más cercana con los visitantes de mi trabajo y permitir que a través de la experiencia física la relación se cargara de intencionalidad y responsabilidad por parte del visitante. Una especie de invitación a compartir autoría.

El Paisaje como materia en el que se marcan historias y narrativas creció como materia de estudio en mi obra. Por un lado, la noción de paisaje es una extensión de las estrategias escenográficas que uso en mi trabajo y por otro, las huellas de la labor humana que dan paso a la transformación de la tierra, abren la posibilidad de traer a la obra responsabilidades y efectos socio-político y culturales en forma más clara y directa.

El paisaje como fondo y sustento de la erección de cultura y el desarrollo de identidades nacionales es de particular interés para mí. El paisaje y sus cicatrices se transforman en un documento vivo de las vidas, el trabajo, la mano de obra, la cultura, y las necesidades sociales de un lugar y una comunidad en particular.

Persiguiendo mi búsqueda en la migración cultural, efectos de inmigración e ideas de digestión cultural, enfoqué mis observaciones en la noción de paisaje como un posible sustituto de la materialización de ocurrencias transculturales. Tal vez una exploración más acuciosa de elementos que pasamos por alto en nuestro medio ambiente pueda dar paso a un entendimiento de la experiencia personal del inmigrante desde un lugar más cercano, cuidadoso, cargado de responsabilidad.

Como inmigrante yo vivo pérdidas todos los días. Esta experiencia de pérdida iterativa es indecible y debido a su permanente falta de resolución, genera parálisis y resistencia. Esta pérdida, que en psicología es entendida como pérdida ambigua, es implacable: no hablada, no estudiada, y nunca nombrada. Nada da cuenta de la omnipresencia de la pérdida de lo reconocible, de lo familiar, y de lo nombrable. Nada da cuenta de la paz que produce la invisibilidad de un entorno conocido. Esta pérdida ambigua y continua que forma parte de la experiencia de inmigración es muda, invisible y no tiene cuerpo. En los últimos años de trabajo artístico me he dedicado a buscar las huellas y evidencias de esta pérdida.

La experiencia de agotamiento es habitual, incluso después de vivir casi diecisiete años en la costa noreste de Estados Unidos. Cada mañana cuando me despierto y miro tras la ventana todo parece extraño. No busco la belleza, busco el descanso que produce lo familiar. La pérdida de reconocimiento es la constante pérdida de familiaridad. El Agotamiento producto de un permanente estado de alerta es constante. No hay momentos de olvido en tierras extrañas, este desconocimiento tiende a reproducirse resistiendo dominación. Hace mucho abandoné la búsqueda de un tránsito automático e inconsciente y la posibilidad de habitar un paisaje invisible.